Pescado Rabioso (Argentina)

Pescado Rabioso fue una banda argentina de blues rock y rock pesado, liderada por Luis Alberto Spinetta y acompañado por el baterista Black Amaya y el bajista Osvaldo "Bocón" Frascino. El trío se transformó en cuarteto con la incorporación del teclista Carlos Cutaia y finalmente David Lebón sustituyó a Frascino. Formada en 1971, se disuelve en 1973. A pesar de haber durado poco tiempo, su estilo y originalidad musical generó una revolución en el rock argentino, dejando una huella indeleble en el mismo. Su álbum Pescado 2 ha sido considerado por la revista Rolling Stone como el 19º mejor álbum de la historia del rock argentino. Dos de sus canciones han sido ubicadas entre las mejores cien del rock argentino: "Me gusta ese tajo" (nº 57), y "El monstruo de la laguna (Algo flota en la laguna)" (nº 61), del álbum Desatormentándonos. Después de la separación de Almendra en 1970 y de un viaje de siete meses que realizara por Brasil, Estados Unidos y Europa, Luis Alberto Spinetta decidió formar una nueva banda. En ese momento «Muchacha (ojos de papel)», éxito principal de Almendra, se había convertido en un éxito comercial, en gran parte porque una propaganda de la empresa textil Estexa lo utilizaba como banda musical. Spinetta en cambio buscaba desprenderse de las pautas y limitaciones que el negocio discográfico pudiera imponerle. Esa proyección lo llevó a formar Pescado Rabioso, siguiendo el formato de Pappo's Blues, que se instalaría entre los más destacados de la música popular argentina.

Secos & Molhados (Brasil)

Secos & Molhados fue un conjunto brasileño creado por el compositor João Ricardo en 1971, musicalizó temas del folklore portugués, como "O Vira", mezclándolos con la poesía de Cassiano Ricardo, João Apolinário, Vinícius de Moraes y Fernando Pessoa entre otros. Los secos y mojados se convirtieron en uno de los mayores fenómenos musicales del Brasil. Su formación inicial estaba compuesta por: João Ricardo (Guitarra de doce cuerdas y gaita), Fred (bongò) y Antônio Carlos, mejor conocido como "Pitoco".
Un sonido completamente diferente para su época, hizo que en el Kurtiso Negro, ubicado en el Barrio de Bixiga, en São Paulo -en donde se presentaban- fuese visitado por muchas personas, interesadas en conocerles. Entre los curiosos estaba la cantautora, Luli, con quien João Ricardo hizo algunos de los mayores éxitos grabados en Brasil (O Vira e Fala)
Fred y "Pitoco" deciden en 1971 seguir su carrera solos y João Ricardo se lanza a la búsqueda de un vocalista. Por indicaciones de Luli, conoce a Ney Matogrosso, quien se había mudado de Río de Janeiro a Sao Paulo. Después de algunos meses, Gerson Conrad, vecino de João Ricardo es incorporado al grupo. Los secos y mojados comienzan a ensayar y después de un año se presentan en el teatro "Do Meio" de Ruth Escobar que torno en una mezcla de restaurante-bar llamado "Casa de Badalação e Tédio".
El día 23 de mayo de 1973 el grupo entro al estudio "Prova", en sesiones de grabación, de seis horas al día, durante quince días, y bajo el formato de 4 canales, para crear su primer disco, que vendió más de 300 mil copias en solo dos meses, alcanzando el millón de copias en poco tiempo.
Los Secos y mojados se convertirían en uno de los mayores fenómenos de la música popular brasileña, batiendo todos los récords de venta de discos al publico. En febrero de 1974 brindan un show en el gimnasio "Maracanãzinho" que bate todos los récords de asistencia, algo jamas visto en Brasil. En agosto del mismo año es lanzado su segundo disco y João Ricardo decide reciclar a los integrantes de la banda.
En mayo de 1978, João Ricardo lanza el tercer disco de Los secos y mojados con Lili Rodriguez, Wander Taffo, Gel Fernandez y João Ascensão. Surge un éxito más del grupo "Que Fim Levaran Todas as Flores?"( ¿Qué fin tendrán todas las flores?),la canción más tocada de aquel año.
En agosto de 1980, junto con los hermanos Lempé - César y Roberto, Los Secos lanzan su quinto disco. La quinta formación del grupo nació el día 30 de junio de 1987, con el enigmático Totô Braxil, en un show en el Palace en Sao Paulo.
Simplemente solitario, en 1999 João Ricardo, lanzo "Teatro?" mostrando definitivamente el sello personal del creador de Los secos y mojados

Opa (Uruguay)

Hugo y Osvaldo Fattoruso eran integrantes de Los Shakers, al separarse esta banda, Ringo Thielmann (integrante de una banda anterior) los llama desde Estados Unidos para formar una nueva banda. Tocan durante tres años en el formato de trío y contactan con Airto Moreira, con quien realizan una gira y graban en 1973 en disco Fingers. Se supone que el nombre se vio inspirado por el tema Dedos de Tótem. Posteriormente esta banda se separa, volviendo a actuar el trío original de Opa.

En el año 1974 grabaron sus primeras canciones de estudio en Nueva York (que verían la luz en el año 2001).

En 1975, el trío graba una demo que se edita con el nombre de Back home, en el cual son acompañados por Pappo Atiles en la conga y la percusión.

En 1976 producen Goldenwings, su primer disco, gracias a una oferta para grabar en Estados Unidos. Participaron: David Amaro en guitarra, Hermeto Pascoal en flauta y percusión. Musicalmente, la banda muestra cambios rítmicos y gran intensidad, fusionando ritmos latinos, jazz y rock.

En 1977 graban el disco "Magic Time". Rubén Rada se incorpora como miembro estable en voz y percusión. Así como Airto que regresa en percusión y se suma el guitarrista Barry Finnerty.

Posteriormente la banda se separa, y tras 20 años sin tocar juntos, vuelven a reunirse en un concierto en el Teatro de Verano de Montevideo, el 17 de octubre de 1987. Este evento fue grabado y editado posteriormente en la casete Opa en vivo. Años más tarde dicha obra sería reeditada en el disco En vivo 87' & Rarities en el cual, además de los temas de Opa en vivo se añaden 3 temas que el trío original grabó en estudios de Nueva York en el año 1974.

Aunque Ringo actuó como invitado con el Trío Fattoruso en el teatro El Galpón en algunos temas (año 2000), la última actuación oficial registrada de "Opa" recién ocurriría en marzo de 2005 en el Teatro Solís de Montevideo, lo que fue registrada en video para medios locales de TV.

Vytas Brenner (Venezuela)

Vytas Brenner fue un cantante, pianista, teclista, percusionista y compositor venezolano nacido el 19 de septiembre de 1946 en Tübingen, Alemania, y fallecido el 18 de marzo de 2004 en Salzburgo, Austria. Brenner fue pionero de la música en Venezuela. Su carrera se caracterizó por la experimentación y la fusión de música electrónica, rock sinfónico, música tradicional venezolana y latina en general.

Brenner es considerado uno de los músicos experimentales y sinfónicos más importantes e influyentes del mundo. Sus discos de los años 1980 y 90 son descritos como irrelevantes artísticamente, pero sus primeros cinco álbumes son frecuentemente citados entre los mejores de los géneros progresivos o sinfónicos. Estos discos los grabó con un grupo al que llamó Ofrenda e incluía algunos de los músicos más reconocidos de Venezuela, como Pablo Manavello y Carlos Quintero.

Como muchas otras familias judías, la de Brenner emigró a Venezuela tras la Segunda Guerra Mundial cuando tenía dos años. Cuando tenía 12 años se mudó de nuevo a Europa y vivió en España e Italia. En Barcelona, España, Brenner reunió una efímera banda llamada Vytas Brenner Quartet con la que grabó el EP en catalán Brenner’s Folk en 1966. Posteriormente Brenner se mudó a los EE.UU., estudió música en la Universidad de Tennessee y regresó a Venezuela tras graduarse en 1972.

Una vez en Venezuela, Brenner formó un dúo con María Fernanda Márquez con el que grabó varios sencillos producidos por Pablo Schneider. Con este dúo Brenner se presentó en febrero de 1972 en el segundo Festival Onda Nueva en el Teatro Municipal de Caracas. Un año más tarde editó La ofrenda de Vytas. En este disco Brenner estableció el estilo por el que se le conocería, lleno de ritmos, temas e instrumentos venezolanos y latinos combinados con rock progresivo y sinfónico, jazz, space rock y folk.

En 1974, Brenner editó Hermanos y en 1975 Jayeche, que como el primer LP fueron producidos por su hermano Haakon Brenner, y en los que continuó su experimentación con el género de fusión. Jayeche fue el primer LP del músico con la disquera Discomoda (la casa anterior era Suramericana del Disco), la cual produjo En vivo! Ofrenda en 1977, un disco doble en vivo que sería el único Brenner y de la discografía nacional.

En 1978, Brenner reclutó a Luis Oliver para tocar el piano y el clavinet Hohner en el álbum Ofrenda, el primero después de la separación de la banda homónima en 1977. Posteriormente Brenner cambió su estilo al pop, soul y funk durante los años 1980, comenzando en 1981 con el disco I belong producido por Polydor y en el que compartió créditos con la cantante norteamericana Paulette Dozier. Este LP, aunque grabado en Caracas, contenía canciones en inglés alejadas de los temas tradicionales venezolanos que identificaban a Brenner. También fue el primero en el que no compuso todas las canciones.

Dos años más tarde, Brenner regresó a Discomoda y reunió una banda similar a Ofrenda para sus siguientes grabaciones, Estoy como quiero en 1982 y Vytas en 1983. El vals del mar, LP que financió el mismo Brenner en 1986, incluyó temas de sus otros álbumes grabados nuevamente pero con Brenner en todos los instrumentos.

Brenner volvió al estudio en 1993 para la grabación de su primer álbum en formato CD, Amazonia, en el cual dejó atrás sus experimentaciones de los años 1980 y volvió a la fusión de elementos latinos con rock progresivo y sinfónico, aunque sin mayor comercial. Al año siguiente salió a la venta la recopilación Lo máximo de Vytas, en la cual se incluyeron temas de Jayeche, En vivo! y Ofrenda. La edición de este álbum fue su último trabajo de notar hasta su muerte en 2004 de un ataque cardíaco.

Congreso (Chile)

Sus inicios corresponden a los años 69-70 en la ciudad de Quilpué: desde entonces Congreso se ha desarrollado en la búsqueda de un lenguaje renovado para la expresión de la música popular latinoamericana, conjugando elementos de origen étnico con formas y estilos de corrientes contemporáneas.
Su discografía esta compuesta por 17 ediciones entre discos LP, discos CD y cassettes, alcanzando en 1988 Disco de oro por sus ventas, además de elogiosas críticas por la delicada fusión en su música.
En 1992 desarrollaron dos importantes obras musicales, la primera en referencia a la extinción de las etnias del extremo sur "Los Fuegos del Hielo" con música para Ballet estrenada por el Ballet de Santiago en el Teatro Municipal de Santiago de Chile, obra que también se mostró en el Festival de Itálica (Sevilla-España) y en el Opera de Budapest.
La segunda obra fue realizada junto al antipoeta Nacional Nicanor Parra "La Pichanga" basada en la convención internacional por los derechos del niño, en el cual se involucran instituciones como UNICEF, Räddabarnen (Suecia), Terranova (Italia) y el Ministerio de Educación de Chile.
Giras por todo el país y el extranjero le han permitido compartir el escenario con artistas como Peter Gabriel, Sting, Rubén Blades, Mercedes Sosa, Milton Nacimiento y otros. Han participado en eventos como Amnistía Internacional, Chile, Expo-Sevilla, España, Festival de Música Latinoamericana, París, Francia, en la Inauguración del Parlamento Latinoamericano en Sao Paulo, Brasil, Festival internacional de las Artes de Sucre, Costa Rica, Festivales en Montreal y Toronto, Canadá, Feria Mundial de Lisboa, Portugal, Teatro Opera de Colonia Alemania y en Diciembre del 2001 participan en el mercado cultural "Strictly Mundial" en Salvador de Bahía, Brasil, donde consiguieron una excelente acogida por parte del público y productores quedando seleccionados entre 600 grupos para participar en el Arts International Proyect lo que le permitió hacer una gira en Febrero del 2003 a l zona Norte de EE.UU. presentando lo último de su repertorio en ciudades como Helena, Montana; Lincoln, Nebraska; San Antonio, Texas, Berkeley, San Francisco, New Orleáns, Lousiana.

Genesis (Colombia)

Génesis o Gene-Sis y posteriormente Génesis de Colombia, fue el proyecto más persistente de la primera generación del rock colombiano. Se caracterizó por fusionar elementos del folk rock con aires folclóricos colombianos, especialmente de la zona andina y en sus inicios, de la costa Caribe.
Génesis nació en 1972 en el seno de una comuna hippie localizada junto al Monasterio de Monjes Benedictinos en Usme, localidad al sur de Bogotá, luego de que el ex integrante de Los Speakers, Humberto Monroy, incursionara en este movimiento y emprendiera proyectos musicales cada vez más experimentales. Su propuesta, a la que invitó a varios de los miembros más destacados de la primera generación del rock colombiano, consistió en valorar las expresiones del folclor de su país, sin desligarse del movimiento rock.
Bajo el nombre Gene que posteriormente se convirtió en el juego de palabras Gene-Sis, presentaron en 1973 un primer LP que combinaba temas de contenido religioso con adaptaciones del folclor andino. Al año siguiente, el grupo grabó dos álbumes con el sello Codiscos y obtuvo un amplio reconocimiento en los medios colombianos por los temas "Don Simón" y "Cómo decirte cuanto te amo" (un cover del clásico de Cat Stevens "How I Can Tell You"). Durante esta etapa, hicieron parte activa del grupo el poeta y compositor Federico Taborda "Sibius", figura notable del movimiento hippie en Colombia y Edgar Restrepo Caro, difusor de la cultura rock en Colombia como DJ y músico.
Como una manera de recoger experiencias que enriquecieran la propuesta del grupo, Monroy se dio a la tarea de hacer numerosos viajes por Colombia, llegando incluso también a recorrer Ecuador y Perú. Para el período 1978-1982, Monroy reorganizó el grupo y con nuevos integrantes grabó otras tres producciones discográficas. En 1983, con el propósito de conquistar mercados internacionales, el grupo cambió su nombre a Maíz (para diferenciarse del grupo homónimo británico) y grabó un disco sencillo.
Tras varios cambios de integrantes, el grupo se disolvió tras el fallecimiento de su fundador en 1992. De la experiencia de Génesis surgieron otros proyectos como el grupo de música andina Los Viajeros de la Música (formado en 1976) y Mecánica Nacional (con músicos de integraron el grupo en los años 80), cuya promoción acompañó la desmovilización del grupo guerrillero M-19
Varios de sus primeros integrantes también han fallecido luego de la disolución de Génesis, como son los casos de Edgar Restrepo, Sibius (miembro de la UP y asesinado en 1989), Juan Fernando Echavarría y Betty Vargas los dos últimos, fundadores de Los Viajeros de la Música.

El Polen (Peru)

El lugar de pioneros en la música rock peruana está definitivamente reservada para el grupo POLEN. Con un estilo distintivo e innovador, el cual abarca la fusión de la música folklórica con el rock, el sentimiento andino y la revolución Hippie de los 70s. Inicialmente el grupo estaba conformado por los hermanos Pereira (Juan Luis y Raúl), Beto Martínez, Fernando Silva y Edwin "mono" Pinto.

La ciudad de Barranco, cuna de la bohemía de todos los tiempos, fue testiga del surgimiento de este grupo en la escena local. En aquellos años 70s, cuando se realizaba la película "El Cholo", el productor los acomodó en una vieja casona del "Puente de los suspiros". En este lugar inclusive se reunía una joven morena, llamada Susana Baca, entre otros talentos alternativos de la época. Y fué el maestro Alejandro Vivanco, quien enseñó al grupo el sentimiento folklórico que aplicaban en quenas y charangos.

Ellos siguieron siendo vecinos en la área de Barranco, hasta que decidieron seguir sus carreras profesionales individualmente.
Durante el festival realizado en la Plaza de Acho, "INTI UHJU PACHA" se inició las carreras de solistas de los integrantes de EL POLEN. Especialmente Beto, quien luego de un tiempo viajó a Brasil y Chile... Juán Luis viajó a Europa. Luego de algunos años Raúl se atrincheró en el grupo Sudamérica... Después de algunos años hubo una renión de rockeros clásicos, televisada por el Canal 9. En esta reunión el grupo volvió presentarse.

El primer LP del grupo se llamó "El Cholo", fué el tema de la película dedicada a Hugo "el cholo" Sotil. Este álbum traía como tema central la versión estilizada de "Valicha", clásico vernacular andino y que aunque parezca mentira, llegó a ser el No. 1 en el ranking de Radio Miraflores. A esto hay que agregar que igualó y superó al grupo americano de los Doobie Brothers, que en esa época, con el tema "Listen to the Music" llegaba al tope del rock americano.

"Fuera de La Ciudad" fue el segundo álbum que sacó el grupo. Este disco tuvo como éxito el tema "El hijo del Sol"; pero el apoyo de las emisoras limeñas estuvo limitado.
En la actualidad hay nuevos integrantes en el grupo y han llegado a hacer giras al exterior, y siguen haciendo presentaciones en algunos locales nocturnos de Miraflores y Barranco.

INTEGRANTES:

Raúl Pereira: primera voz y guitarra

Juan Luis Pereira: guitarra

Hector Morales: batería

J. S. Montesinos: violoncello

Alfonso Montesinos: bajo

(chicama.com)

Wara (Bolivia)

Wara es una banda de folk rock legendaria prosedente de Bolivia.
Wara se formó a inicios de los años setenta, como una banda de Rock Progresivo. La conformación inicial del grupo reunía a Dante Uzquiano, Omar León, Jorge Ecomori, Pedro Sanjinéz, Jorge Cronembold y Carlos Daza, quienes compartían la intención de poner el heavy metal en la escena paceña. Entre sus principales influencias se encontraban las agrupaciones Deep Purple y Uriah Heep, cuyas composiciones interpretaban. Durante esta etapa la agrupación se llamó Conga y posteriormente Tabú.
Con influencias del Rock Duro, Progresivo y Psicodelico Británico se asentó como una de las bandas revelaciones en los 70's en Bolivia y asentó las bases de la fusión entre el Rock y el Folk, por ello es considerado una banda de culto, por diferentes artistas y bandas nuevas tanto de Rock como de Folk boliviano.
Tras varios meses de presentaciones en vivo, Ecomori abandona la agrupación. En su búsqueda por una identidad propia y comprometida con la realidad de su país la agrupación adopta el nombre de "Wara", palabra aymara para estrella.
Así evolucionó hacia un estilo mucho más accesible para la población boliviana, quedando en la actualidad como una banda Folk de renombre y calidad. Fue uno de los pioneros del género Folk Rock en el país.
Sus composiciones, una fusión de sus influencias rockeras y de la música autóctona de los andes bolivianos, reivindica en sus líricas las raíces indígenas de gran parte de la población. Esta posición reivindicativa e identificada con una realidad local es la que le ha valido a Wara el título de pionera en el género y su reconocimiento como una influencia por gran parte de las agrupaciones bolivianas contemporáneas.
Tras atravesar varias etapas en su carrera la agrupación se mantiene en vigencia interpretando nuevas composiciones folclóricas o Folk que han logrado gran popularidad.
Discografia: El Inca (1973), Maya (1975), Paya, Quimsa, Pusi, Pesca (1989), Sojta, El Inca (reedición 2001, Oruro (2001), Wara Oriental, Wasitat hikisiñasawa, Antologia criolla, Maya Hichhaningua (reedicióin de Maya).

Santaolalla y Arco Iris (Argentina)

Gustavo Santaolalla nace en El Palomar, Buenos Aires, Argentina en 1952. Su carrera como compositor comenzó a la edad de 16 años, al escribir, producir y grabar su primer sencillo. En ese entonces el concepto de "Productor" para música alternativa era desconocido en Argentina. Esta experiencia le dio las herramientas necesarias para embarcarse en su primer proyecto: Arco Iris, la banda que fundó en 1967 y que hizo historia como una de las agrupaciones pioneras en la fusión de rock y folk latinoamericano.

Con Arco Iris, Sataolalla lanzó 4 LP's y se convirtió en el líder de una de las bandas más exitosas en los inicios de la música alternative en Argentina, alcanzando su punto más alto con el disco Sudamérica o El Regreso de la Aurora, un álbum doble presentado con una serie de conciertos en el monumental estadio de futbol River Plate y el Teatro de Ópera en 1972. De hecho, Arco Iris fue el primer grupo de rock en presentarse en ese estadio, el cual años después se convertiría en la mecca del movimiento rockero.

Además de crear y producir su propia música, Santaolalla siempre estuvo interesado en trabajar para ayudar a otros artistas a desarrollarse. El primero en trabajar con él en un estudio de grabación fue León Gieco quien también se convertiría en su primer gran descubrimiento y que en la actualidad es una de las leyendas musicales más queridas en la música argentina.

En 1978, Santaolalla -frustrado con la situación política y social en Argentina, que se encontraba gobernada por el ejército- decide irse del país y mudarse a Estados Unidos. Llegó a Los Ángeles para empezar desde cero. En este punto, la fiebre del punk y el refinado New Wave inspiraron a Santaolalla para empezar una nueva banda: Wet Picnic, el grupo que formó con Aníbal Kerpel, quien es su socio hasta el día de hoy.

Con Wet Picnic, Santaolalla y Kerpel lanzaron un álbum (Balls Up, Unicorn Records) y tuvieron un sin fin de conciertos en los mejores clubes de rock de Los Ángeles. La banda incluso ganó el primer premio en el festival Hollywood Erotic Video and Film, por el clip "She Believes," ‘estelarizado' por el mismo Santaolalla. El video fue elegido como uno de los mejores 100 de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

Sólo existen dos proyectos en solitario de Santaolalla: El Poderoso GAS (BMG-Ariola, 1995), un disco esencial del rock argentino, y el instrumental Ronroco (Nonesuch, 1998), en el que Santaolalla muestra su dominio de los instrumentos de cuerdas andinos. El álbum llegó a los primeros lugares de las listas estadounidenses de música mundial, además una de las canciones fue usada en una escena clave de la aclamada cinta de Michael Mann; The Insider, estelarizada por Al Pacino y Russell Crowe.

Lo que definiría la carrera de Santaolalla ocurrió a finales de la década de los 80, cuando se interesó en el florecimiento del movimiento de rock mexicano.

(inforo.com.ar/node/14676)

Manduka (Brasil)

Así como muchos miembros de la Nueva Canción Chilena que partieron al exilio tras el Golpe de Estado de 1973 absorbieron la cultura de los lugares que los acogieron, el artista brasileño Manduka esquivó la dictadura de su país refugiándose en Santiago durante la Unidad Popular, donde estableció estrechos vínculos con importantes artistas nacionales y logró interesantes cruces musicales.

El músico, poeta, actor y artista plástico Manduka (seudónimo de Alexandre Manuel Thiago de Mello) desde muy pequeño conoció Chile gracias a las labores diplomáticas que su padre, el poeta Thiago de Mello, realizó hasta 1965. Cinco años más tarde, cuando se volvía cada vez más hostil la dictadura militar que desde mediados de la década controlaba Brasil, Thiago decidió radicarse en Santiago con su familia.

Corría el año 1971, Manduka tenía recién diecinueve años de edad y ya frecuentaba a gran parte de la intelectualidad de izquierda local (su padre era muy cercano a personalidades como Pablo Neruda y Violeta Parra) y se relacionaba con otros brasileños exiliados, en particular con el cantautor Geraldo Vandré. Manduka escribió con él sus canciones iniciales y también cosechó sus primeros logros, como sucedió con "Patria amada idolatrada salve salve", composición que ganó el Festival de Aguadulce celebrado en Lima en 1972, en la voz de la cantante venezolana Soledad Bravo.

A su regreso a Chile, recibió la oferta del músico Julio Numhauser –en ese entonces integrante de Amerindios y director artístico del sello IRT– para grabar su primer álbum. El resultado fue un LP compuesto casi en su totalidad por Manduka, con canciones e improvisaciones que inevitablemente aludían al exilio, la historia brasileña y su propio encuentro con nuevas culturas. Todo el disco, incluyendo su particular versión de "Qué dirá el Santo Padre" de Violeta Parra, pasaba por el inconfundible filtro carioca en su forma.

En este álbum, titulado simplemente Manduka (1972), participó Soledad Bravo junto a las espontáneas pero claves colaboraciones de Patricio Castillo, Baltasar Villaseca del grupo Congregación, los hermanos Gabriel y Eduardo Parra de Los jaivas, y el mismo Numhauser. Además de su contribución musical en Chile, que se extendió por varios escenarios y festivales, con músicos invitados como un jovencísimo Antonio Restucci en guitarra, Manduka publicó el libro de poemas Los burros negros el año 1973, poco antes de partir a un nuevo exilio a consecuencia del Golpe de Estado del 11 de septiembre.

Su siguiente escala fue Argentina, país donde se mantuvo muy cercano a Los Jaivas. Con ellos grabó el álbum conjunto Los sueños de América (1974), disco que permaneció inédito hasta 1978 cuando fue publicado en España. Y en los años posteriores, continuaría deambulando por el mundo con estadías en Venezuela, Alemania, Francia, España y México, publicando discos y libros, musicalizando películas, colaborando con artistas como el brasileño Naná Vasconcelos o el cubano Pablo Milanés y dedicándose con éxito a las artes visuales. Siempre con una gran actividad y un legado multicultural repartido por el planeta, Manduka regresó en 1988 a Brasil, donde permaneció hasta su muerte, el 17 de octubre de 2004, ocurrida debido a complicaciones cardiovasculares.

Por Gonzalo Planet. (musicapopular.cl)

Congregación (Chile)

Congregación es una de esas joyas de corto brillo en un universo tan pequeño como la escena chilena de los últimos 60's y primeros 70's, y que, al igual que las joyas valiosas, es casi desconocida para la mayoría del público actual y también para el de esa época.

Surgidos en Valparaíso bajo la creatividad de Antonio Smith, su único disco es una mezcla de plácidos sonidos, llenos de mensajes positivos e idealistas, de amor a la naturaleza y al hombre en sí mismo. En lo musical desarrollan un estilo que mezcla el folclor, la sicodelia y lo progresivo.

En el álbum participan sus amigos Eduardo y Gabriel Parra de Los Jaivas, en piano y trutruca respectivamente, así como Julio Numhauser (Amerindios) en coros. La producción estuvo a cargo de Franz Benko, nombre importante de la música popular chilena de aquella época.

Si bien la banda no logró reconocimiento masivo en el país, Antonio Smith cantó en el Festival de Viña del Mar, aunque ante la apatía general de los espectadores y de la prensa.



Antonio Smith, el compositor de todos los temas de la banda, continúa trabajando como solista realizando música no comercial y más tarde produce -como era de esperarse- música New Age bajo el nombre de Awankana.

INTEGRANTES



Antonio Smith : voz, guitarra, plectrófono, megáfono, compositor
Alejandro : guitarra 6 y 8 cuerdas, armónica, coros
Alberto : bajo eléctrico, guitarra, coros
Baltasar : percusión, guitarra, coros
Carlos : flauta, pandero, percusión
Johan : coros
Richy : bajo eléctrico
Grumpy : cello
Gino : cello
Eduardo : piano (Los Jaivas)
Gabriel : trutruca (Los Jaivas)
julio : coro (Amerindios)

Por Tony Littlewolf